Yolanda Domínguez '' Soy una persona que molesta, pongo a la gente en situaciones incómodas''

Entrevista a Yolanda Domínguez, Artista visual y performer

Su especialidad es crear situaciones inquietantes para el espectador. Sus proyectos, “livings”, son ficciones provocadoras que buscan generar la reacción y participación del público. La idea, utilizar creatividad y arte como herramienta de transformación social desde la calle. El objetivo es reflexionar sobre la situación de la mujer a través de distintos soportes, tratando temas de género que cuestionan actitudes establecidas de las mujeres de nuestro tiempo

Esther M.M. | Madrid 

Yolanda Domínguez

El arte siempre ha tenido que ver con acercarse a la realidad. A través de estrategias como la ironía y la descontextualización, YolandaDomínguez, crea situaciones en los que los espectadores se ven involucrados y pueden tomar parte de ello. Estas experiencias se llaman “Livings” (vivencias), y en ellas usa canales alternativos a los del arte convencional. Se insertan en contextos de la vida cotidiana a fin de tener un profundo impacto emocional y mental de los espectadores y participar activamente en la propuesta.

Con una gran sonrisa y un optimismo contagiante, Yolanda nos habla de su trabajo y su visión de la sociedad actual a grandes pinceladas. La pasión es una de sus reglas de trabajo, y eso ya se percibe con tan solo un cruce de palabras. Habla con un vigor que le llega a cualquiera y lo primero que nos cuenta es su intención en su trabajo.

- Mi intención es expresar lo que yo reflexiono y compartirlo con las personas. Hay gente que usa los medios artísticos para colgar cosas estéticas en una pared. Otra función de arte es utilizarlo para expresar una crítica; ahí me posiciono yo, porque creo que nuestra época lo necesita. Con todo lo que está pasando en el mundo a mí no me sale ponerme hacer una puesta de sol, hay muchas más cosas que decir. Estamos ya bastantes anestesiados. Vivimos en una burbuja de felicidad, solo nos preocupa ser felices constantemente y nada más. Yo no contribuyo en esa burbuja, me veo más explotándola (risas).

- ¿En qué momento diste con la idea de los “Living”?

Llevo más de 10 años haciendo cosas, y ya mis primeras obras eran en la calle, haciendo escenas o representaciones. Princesas fue el inicio de los livings.  Mi intención era sacarle una foto a una “princesa de la calle”, pero en este proyecto la gente empezó a intervenir de manera real. Lo importante no era la foto, sino lo que estaba sucediendo ahí,  lo interesante era esa escena. Eso me enganchó. La foto es algo anecdótico de documentar lo que está pasando, pero el objetivo real del proyecto es que pase algo.

• Princesas venden en el “top manta” los objetos del cuento. Su objetivo: deshacerse del rol femenino de las princesas en los que la mujer es un sujeto pasivo que espera la llegada de un príncipe azul para ser feliz

- ¿Qué te esperas con cada experiencia?

En este último Poses, por ejemplo, mi objetivo era ver la preocupación de lo que estaba pasando, provocar una reacción. Pero también puede que ponga esta obra, estos ingredientes y que no surja nada. Todo el desarrollo de la obra depende de la participación de la gente. Yo pongo los ingredientes pero realmente es el espectador quien lo tiene que cocinar. 

• Poses critica lo absurdo y artificial de la moda y la imagen distorsionada que difunden los medios de la mujer. Este living ha sido uno de los más polémicos por su gran repercusión mediática (más de 400.000 visitas en YouTube). Duración del vídeo 4 min

- La gente se pone frente a  la televisión y la consume sin más, pero frente a sus obras el público adopta una actitud reflexiva, incluso sin saber que están participando…

Cuando estamos en un contexto artístico, una galería o una exposición ya sabemos que es ficción. Además, el espectador está acostumbrado a tener una actitud pasiva. Estamos educados en esa actitud inerte de consumir lo que nos muestran. Yo intento salirme de ese contexto para ponerle al espectador en una situación de la realidad, en la que tiene posicionarse de alguna manera, porque cree que es real, o no sabe que es ficción.

- Hablando de contextos artísticos, ¿qué piensas que es el arte hoy?

Una forma de comunicar, emociones, criticas, deseos...hacer sentir cosas a la gente.  El problema es que la gente se ha quedado que el arte es un cuadro pintado. El arte ha evolucionado muchísimo. El lienzo y el pincel ya no tienen nada que ver con la sociedad en que vivimos. Si nos comunicamos con X caracteres en twitter, ¿cómo voy a pretender que la gente se quede mirando un cuadro? El arte está ligado a la época y, hoy en día, hay que plantearse todas esas cosas.

- Pero la intención del arte hoy parece ser comercial; arte de comercializarlo todo.

Es que diferenciar entre el mercado del arte, y el arte en sí mismo. La diferencia está en los objetivos. El objetivo de una galería, que en definitiva es una empresa, es ganar dinero. Hay artistas que quieren hacer arte para ganar dinero pero otros hacen arte porque quieren expresar o hacer reflexionar por algo. Ese es el camino en el que me encuentro yo. No me importa estar en una galería pero quiero hacer llegar mi mensaje, y para eso me tengo que buscar la vida, y romper cosas y comerme las críticas.

- Y entonces,  para ti, ¿cuál ha sido la mejor recompensa?

Pues, que de repente me hable una persona del otro lado del mundo diciéndome: “Hola soy Pepita de Honolulu, jamás escribo a alguien por internet, pero he visto lo que has hecho y me ha llegado”. Esos testimonios me ponen la carne de gallina y digo: “merece la pena seguir haciendo esto”. Eso no tiene precio y es la mayor recompensa.

- Y de hecho, se pueden ver muchos de esos testimonios en el blog Katy Salinas…

Sí, con Katy Salinas recibí un montón de emails de niñas que habían tenido anorexia u otros trastornos alimenticios, diciendo: “gracias por recordarme esto, para no volver a hacer ese tipo de cosas”. Eso me llena como ser humano. Es que cuando se hace algo apasionadamente, surgen muchas cosas. Es maravilloso que me escriba gente inspirada al ver el trabajo que hago.

•  El blog de Katy Salinas Este personaje recrea la situación de una mujer que ha dedicado toda su vida a seguir toda clase de consejos, recetas y prácticas espeluznantes que encuentra en los distintos medios para mantenerse bella y joven a cualquier precio: incluso olvidándose de “vivir”. Ha planteado numerosas cuestiones sobre el valor que se le da en esta sociedad a la apariencia física. En un Internet en el que millones de personas y empresas riñen sin éxito por la atención de los demás.

- ¿Y a ti quien te inspira?

La verdad es que soy muy multidisciplinar, no me gustan las etiquetas, me tira toda la gente creativa y arriesgada en cualquier disciplina. Las personas que innovan, que proponen, en música, cine, todo… Por ejemplo me encanta Raphael cantando porque es un ser muy apasionado. Tenía su forma particular y le criticaron muchísimo. Yo le miro y le veo cantar con esa pasión, con ese “me da igual lo que digan” y me emociono. Eso me inspira.

- ¿Y de dónde surge la mujer como inspiración de tu obra?

Surge de cosas que a mí me preocupan, que me planteo como mujer. De qué voy hablar mejor que de algo que yo soy, que yo sufro, que lo vivo. Una tiene que trabajar por los temas que le apasionan y conmueven,  por cosas que te hacen levantarte del sofá. Por ejemplo, ver cada día como están tratando a la mujer pues a mí me levanta del sofá y he decidido trabajar sobre eso. 

     - O ver una revista de moda, como por ejemplo uno de los reportajes más polémicos de la  revista Vogue Cardeaux  que utilizó en sus portadas fotos de niñas haciendo de mini-mujeres, efectivamente, eso impulsa  a levantarse del sofá…

La gente que consume estas revistas no se da cuenta de eso. Son cosas que no te fijas, que están integradas como “buenas” en nuestra sociedad. Pero el lenguaje que está habiendo detrás de esas poses es terrible. ¿Por qué nos tiran en el suelo? ¿Por qué nos hace enfermizas? Por qué tenemos que estar tan delgadas?  Si estuviéramos en una guerra sería una estrategia estupenda: mantener al enemigo débil y frágil.

- Y  encima, aceptamos esa estrategia sin rechistar…

Pues sí. Tu perteneces a una sociedad, ves lo que se valora en ese colectivo e intentas ser lo que se valora. Al final somos seres sociales y no puedes ir en contra de tu sociedad porque estarías aislado. Si quieren a una chica que lleve mini falda y tacones, pues tú imitas. Somos monos de imitación y no nos paramos a pensar qué hay detrás de esos comportamientos.

 - Luego las mujeres deben estar dentro de un canon, ¿es  una jaula de la que no podrán salir?

 El problema está en que las mujeres tenemos una mirada masculina: no nos miramos de mujer a mujer, si no de hombre a mujer. Lo tenemos tan asimilado que vivimos  con ojos de hombres. Muchas mujeres se meten con el tema de las mujeres con velo. Claro, es tremendo que las obliguen a taparse. Pero aquí en occidente estamos viviendo el extremo contrario: ¡nos obligan a exhibirnos! Las mujeres islámicas no viven convencidas de que el velo es lo mejor que puede llevar, saben que es una imposición por su cultura. Pero nosotras asumimos que tenemos que exhibirnos y que está bien. Lo tenemos interiorizado y esa es la peor esclavitud que hay.

 - ¿Crees que esas ataduras sociales cambiarán alguna vez?

Ahora estamos en una etapa convivencia entre el cambio y cosas muy anticuadas. Ahí tenemos a la superwoman: que tiene que ser muy liberal, arreglada, tiene que trabajar… pero también atender la casa, al marido, los niños… tenemos este conflicto, somos modernas pero antiguas. Estamos sobresaturadas y no sabemos por donde tenemos que tirar. Llevamos años siendo educadas de manera determinada, y los cambios así tan grandes llevan un proceso muy largo.  Yo no sé cómo tiene que ser la mujer el día de mañana. Simplemente estoy en el papel de hacerme esas preguntas y ver qué podemos cambiar. Las mujeres tenemos que ser las primeras que ver que hacemos cosas que no nos benefician. Yo intento hacerlo con humor.

    - Y  ya que lo mencionas, ese humor sarcástico y peculiar, ¿le ha suscitado críticas? 

Hay muchísimas críticas lo cual también me gusta. Yo soy una persona que “molesta”, pongo a la gente en situaciones incómodas, por lo cual entiendo que haya gente que se lo tome mal. Todo lo que nos haga pensar o lo que nos haga tener que reestructurar la mente, incomoda. Y encima, como hablo del tema femenino, y este es un tema que levanta muchas pasiones, pues  la primera reacción de los hombres, es llamarme “feminazi” y cosas por el estilo (risas).

  - ¿Feminazi?

Sí (risas). Es absurdo, porque yo creo que me meto más con las propias mujeres. De manera irónica, me meto conmigo misma… El problema es que la gente no sabe lo que es el feminismo; es simplemente un pensamiento político que aboga por los mismos derechos entre hombres y mujeres.  Si eso es feminista, pienso que tanto hombres como mujeres deberían serlo.

- Es que tu trabajo incita el debate y muchas de ellas han tenido un importante eco en los medios de comunicación y han generado controversias significativas. Por ejemplo livings como “Mujer joven se ofrece para…”, “Pido para un Chanel” o “Rebajadas”.

 Hay gente que me critica que mi obra sea tan mediática. El arte es muy elitista, como que solo lo pueden ver unos pocos. Y ponerlo a la gente común parece “lo peor”.  Pero a mí el arte me parece algo tan maravilloso que  quiero que la gente lo experimente y lo comparta.

• “Mujer joven se ofrece para…”  Esta propuesta, que plantea cuestiones al espectador acerca del factor económico en las relaciones hombre-mujer, llenó las calles de Madrid con carteles en los que una joven se ofrecía para hacer todo lo que se espera de una esposa tradicional a cambio de un buen estatus económico

• Pido para un Chanel . En un ataque de ansiedad, una mujer decide mendigar a los transeúntes para comprar un objeto que necesita: un Chanel. El trabajo creó una gran controversia y generó todo tipo de reacciones. Duración de vídeo 2.28 min

• Rebajadas. Este living se ocupa de hacer visible la rivalidad de las mujeres. Un tema clave que ha surgido en estos días en la transición hacia las nuevas funciones y, especialmente, en el desarrollo de la mujer en el mercado laboral. La rivalidad entre las mujeres llegó a ser la imagen de la apertura de las rebajas de enero utilizado por varios periódicos nacionales.

- Entonces, ¿la repercusión mediática es necesaria para tu trabajo?

Si los medios me llaman, y se interesan, pues es algo que quiere todo artista. Por otro lado me encanta, porque estoy bombardeando desde dentro. Los medios son muy responsables de la imagen que se difunde de la mujer. El hecho de lanzar mensajes en contra de eso desde los propios medios me parece una estrategia muy interesante. Que VanityFair saque en su blog cosas de Yolanda Domínguez me resulta tremendo. De hecho, el video de poses ha estado en los primeros puestos durante 4 o 5 semanas en el top ten de los vídeos de moda.

 - Bombardear desde dentro… ¿no te parece arriesgado?

Es cierto que me muevo en un medio un poco fangoso. Pero me gusta. Las cosas nuevas, las que no conozco,  me gustan.  Yo me estoy metiendo en berenjenales que no conozco y a base de palos estoy intentando aprender. 

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Aquí os dejo un documental italiano "El cuerpo de las mujeres", audio italiano y subtitulado en español. Un vídeo interesante para completar la entrevista y reflexionar sobre el papel de la mujer en los medios. Duración 24:24 min.

La imagen en el fotoperiodismo

La fotografía ha venido ocupando cada vez más espacio en nuestras vidas, especialmente en los medios de comunicación. En este reportaje se estudiará la relevancia que le ha sido otorgada a la imagen por parte del periodismo actual. Nos centraremos en el caso de la prensa escrita y, a través de algunos ejemplos veremos qué es el fotoperiodismo, el tratamiento de la imagen en la prensa actual y la problemática que genera

ESTHER M.M./ MADRID

Si la imprenta abrió el camino a la difusión en masa y nos trajo el nacimiento de la prensa escrita, el fotoperiodismo da un paso más allá. La imagen se convierte ahora en testigo directo de lo que ocurre, en un complemento de lujo para la información. La curiosidad humana queda satisfecha en forma de fotografía, que  poco a poco irá eclipsando a las letras y adquiriendo protagonismo.

Las imágenes tienen ciertas cualidades que las hacen ocupar ese puesto de honor en nuestros periódicos. Son más atractivas y más rápidas que la lectura transmitiendo mensajes. La información llega más deprisa y de forma más directa que con un escrito. Por último, y quizás lo más importante, porque explica la razón por la que se ha hecho inseparable del periodismo: aporta veracidad.

Primera fotografía en prensa 1.880

En 1880 el Daily Graphic  de Nueva York publicó la primera fotografía en prensa, y desde entonces se ha venido utilizando como un complemento a la información. A pesar de la primicia del periódico americano, otros fotógrafos ya habían experimentado con imágenes de sucesos y hechos noticiables, como por ejemplo Carl F Stelzner, que saca en daguerrotipo imágenes de un incendio en la ciudad de Hamburgo, en 1842. Por otro lado encontramos al periodista Gaspar Félix Tour Tournachon, más conocido como Nadar,  que realizó las primeras fotos aéreas en 1858 montado en un globo y las primeras fotografías bajo tierra, iluminadas con luz artificial. Durante el siglo XX el fotoperiodismo vivió su época dorada y destacó el célebre fotógrafo francés considerado padre del fotoperiodismo, Henri Cartier-Bresson.

La importancia de la  imagen fotográfica, reside en su capacidad para ofrecernos un reflejo de la realidad, lo que sirvió en su día, para acercar al público la actualidad. Colaboró en el proceso de alfabetización y culturización de la sociedad. En la actualidad, el fotoperiodismo ha cambiado tanto en su presentación como en su cometido. La imagen ha dejado de ser una simple ilustración del texto para, en muchos casos, aportar un mensaje propio. El desarrollo tecnológico y la demanda de los lectores son algunas de las causas de esta evolución.

La fotografía periodística tiene como fin, informar sobre acontecimientos de la realidad inmediata, está firmemente unida a la información y a la opinión, como ocurre con los mensajes escritos.  Lo más importante es la primicia, lo exclusivo, el impacto de la imagen y su importancia informativa. Las fotos deben ofrecer al lector una visión original, distinta de la que ofrece la televisión. Tienen que sorprender y sintetizar, imágenes que emocionen, que hagan descubrir aspectos ocultos de la realidad y que no se olviden fácilmente.

El terror de la guerra, Vietnam 1972

Como por ejemplo una imagen del 1972 “el terror de la guerra”, convertida en símbolo de la guerra de Vietnam .Donde muestra la imagen de Kim Phuc (centro), una niña que huye de su aldea con otros niños después de que aviones de Vietnam del Sur por error arrojaron napalm. (Vídeo de Kim Phuc duración 2.33). Imagen que premió a su fotógrafo con el premio World Press Photo 1972 y el  premio Pulitzer en 1973. El último Pulitzer es otorgado a Carol Guzy, Nikki Khan y Richy Carioti, del Washington Post por su retrato acerca del dolor y la desesperación después de un catastrófico terremoto  que azotó a Haití el 12 de enero del 2010. (Vídeo 12/01/11de TVE duración 2.49).

Shattered lives, 15/01/2010 Haití. Carol Guzy

Rescue, 14/01/2010 Haití. Carol Guzy

Tinni victim, 15/01/2010 Haití. Nikki Kahn

Haití weeps, 24/01/2010 Haití. Carol Guzy.

La cantidad de imágenes televisivas cotidianas son la “fast food” de la información, una vez digeridas pasan rápidamente al olvido. Por el contrario, cuando la fotografía periodística se potencia con algún aspecto informativo, emotivo o estético permanece en la memoria.

Límites éticos

El periodismo, como toda actividad, está sujeto a ciertas normas más allá de las dictadas por la ley y que vienen determinadas por la escala de valores y usos sociales del momento. Me refiero a las normas éticas y morales. El periodismo, por el papel que desempeña en nuestra sociedad y por su mayor repercusión tiene quizás una mayor responsabilidad en este aspecto. Dentro del  amplio mundo periodístico, la fotografía periodística, es una de las especialidades que más choca con estos límites de los que hablamos.

 Deben cumplir con el principio de veracidad. Es decir ser reales, legítimas y en la medida de lo posible, objetivas. Por lo que han de ser respetuosas, tanto con el lector como con lo que aparece fotografiado. Deben desarrollar una función informativa o acompañar a la información motivadamente.

La objetividad es algo complicado de conseguir cuando hablamos de capturar imágenes. La subjetividad está intrínseca a la fotografía, pero, aún así, ha de limitarse cuando nos referimos a la función periodística e informativa de ésta. La fotografía debe ajustarse a la realidad tanto como sea posible si queremos lograr una visión objetiva, así  es como debería ser la información que recibimos. Esto, por desgracia, no es así en la mayoría de los casos. Concretamente en  nuestro país, la prensa escrita está muy politizada lo que da lugar a una subjetividad  acusada en la mayoría de los diarios, incluido en lo que respecta al fotoperiodismo.

Precisamente porque la subjetividad en la prensa escrita es algo asumido por todos, este principio de veracidad afecta más a los supuestos en que se modifican o manipulan las imágenes. Los programas de ordenador como el Photoshop han hecho lo propio con el tratamiento de las imágenes y en definitiva, creamos la imagen que queremos. Este poder puede tener consecuencias peligrosas al presentarnos como verdadero algo que es virtual.

Teniendo en cuenta estos aspectos, los periódicos han de ser muy cuidadosos a la hora de publicar cierto tipo de imágenes, pero no solo han de pensar en el contenido de la fotografía, sino que también han de anticiparse a las reacciones del público. Esto se le llama el respeto al lector. Las imágenes de extrema violencia o que humillen a una persona en cuestión pueden afectar no solo a quienes aparezcan en la imagen, sino que también hieren la sensibilidad de quien lo observa.

Objetivo de la imagen

Algunas fotografías tratan de ilustrar el contenido de la noticia, actúan como un testimonio de que lo que se relata en el texto. En otras ocasiones, la imagen contiene un mensaje en sí misma y, de alguna forma, complementa a la información.

La gran polémica en torno a esta faceta de la fotografía deriva de la función de las imágenes como tal. La imagen llega antes al receptor por ser más rápida y sencilla de comprender. Esto hace que “leamos” el periódico por sus titulares y sus instantáneas, por esta razón, la prensa busca nuestra atención a través de la imagen, cuánto más impactante mejor. Así, encontramos en ésta un arma de doble filo que debe tener su límite en la función informativa de la fotografía. Imágenes de guerras, miembros amputados, sangre, extrema violencia llenan nuestros periódicos pero, ¿es realmente necesario para que prestemos atención a esas noticias o es, simplemente, una manera más de saciar nuestro morbo? En la pregunta está el quid de la cuestión.

Hay quien opina que estas imágenes son gratuitas, pues no transmiten información y pueden herir la sensibilidad. Además parece que lo único que consiguen es alimentar el morbo y acostumbrarnos, en cierta manera, a ver estas fotografías en los periódicos, convirtiéndolas en algo cotidiano y sin importancia. Por otro lado están quienes creen que es la única forma de que abramos los ojos a una realidad diferente a la que conocemos y descubramos que el mundo no va tan bien como pensábamos. Sostienen que el contemplar imágenes duras  creará un enorme impacto sobre nosotros y nos instará a actuar, a cambiar esa realidad complicada y violenta. Omitiendo ese tipo de imágenes se está ejerciendo una especie de censura, pues en cierto modo negamos y ocultamos información. 

 Es un tema muy controvertido y que depende de cada caso. Al final, todo queda en manos de los que se mueven dentro del sector: el fotógrafo, el director del medio, la empresa editora…quienes realmente han de tomar la decisión de qué se publica.

1994 Sudán. Kevin Carter

Siempre se acusa al medio de comunicación o a los directores, pues al fin y al cabo, son los responsables de la publicación, pero, ¿qué hay del fotógrafo? Su propia ética debería dictarle qué fotografías debe o no debe capturar. Hasta dónde estarían dispuestos a llegar por una buena instantánea es un tema muy personal. En esta línea el caso del fotógrafo sudafricano, Kevin Carter, que ganó el Premio Pulitzer en 1994 por una fotografía que en 1993 atrajo la atención sobre la Hambruna de Sudán de (foto). En ésta se veía a una niña sudanesa, de apenas cuatro años de edad, encogida en el suelo. Detrás de ella, acechante, un buitre. Kevin Carter recibió duras críticas, la prensa se cebó con el fotógrafo al que tildó de “buitre” y finalmente, a los dos meses de obtener el premio, se quitó la vida.

(Vídeo extraído del periódico “El Mundo” que cuenta la historia de la fotografía de Kevin Carter, duración 6.36 min).

Daniel Beltrá enseña la gran catástrofe ecológica del Golfo de México en la exposición "Marea Negra"

Retratar los desastres naturales y plantear una reflexión sobre la acción del hombre en la naturaleza es lo que pretende el comprometido Daniel Beltrá en todos sus trabajos. La exposición “Marea Negra” nos muestra el tremendo suceso medioambiental del vertido de petróleo en el Golfo de México. Podrá verse, por primera vez en España, en el Roca Barcelona Gallery hasta el 29 de enero del próximo año

ESTHER M.M. | BARCELONA

   El madrileño Daniel Beltrá es un reconocido fotógrafo conservacionista y  miembro de la prestigiosa organización International League of Conservation Photographers. Estudió Biología y se dedicó al fotoperiodismo. Atendiendo a su inquietud entró en contacto con Greenpeace, con la que empezó a viajar por el mundo compaginando sus dos pasiones: la fotografía y la naturaleza (galería de toda su obra).

   A raíz de un encargo de esta organización ecologista pudo ser testigo de los cinco millones de barriles de petróleo vertidos en el Golfo de México tras explotar una plataforma petrolífera de la empresa BP, en la que once personas quedaron sin vida en abril del pasado año [Vídeo de TVE 2.47 min].

  “Marea Negra” (vídeo presentación 1.19 min) pone título a una selección de más de medio centenar de fotografías tomadas, en su mayoría, a 900 metros de altura y enfocadas tras la ventana de un hidroavión donde el autor iba a bordo, desde donde nos muestra la magnitud de la desgracia. "Como testigo de primera mano, se me pregunta a menudo sobre la efectividad de los trabajos de limpieza. La extensión era tan grande que, para mí, parecía como si intentaran limpiar una piscina olímpica llena de petróleo sentados al borde y utilizando bastoncillos de algodón" cita Beltrá en el porfolio de la exposición del Roca Barcelona Gallery, y nos sirve para hacernos una idea de la dimensión del problema.

   La muestra está formada por imágenes de gran formato donde se contraponen la belleza sugerente de la imagen (conseguida por los azules del mar y las líneas rojas del petróleo) y la realidad de las imágenes, ya que es un desastre natural provocado por el hombre. Recientemente Beltrá ha sido premiado por una fotografía de este trabajo. “Los pelícanos cubiertos de petróleo del derrame de BP del Golfo en 2010” ha ganado el Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year. Un concurso patrocinado por Veolia Environment, el Museo Británico de Historia Natural y la revista WildLife de la BBC, que lo ha elegido como reportero gráfico del año, premio que afirma su gran labor.

  La implicación de este fotoperiodista ha sido reconocida a lo largo de su trayectoria en numerosas ocasiones, ha ganado varias veces el World Press Photo por un trabajo sobre la sequía en el Amazonas, entre otras. 

  Se puede aplicar la lectura de la fotografía como documento de denuncia social en el caso de Beltrá. Pero no solo en desastres naturales la fotografía ha tomado parte sino, como bien es sabido, guerras, dictaduras, pobreza, etc, son hechos que la fotografía trata de poner una y otra vez encima de la mesa para que todo aquel que las contemple no quede indiferente ante la realidad.

Entrevista a Daniel Beltrá en inglés ( vídeo duración 3.00)

La adolescencia se autorretrata

Cristina Otero, con tan solo quince años, ha revolucionado las redes sociales con sus impactantes fotografías. Sus imágenes dan la bienvenida a la nueva galería de arte Kir Royal Gallery en Valencia.

ESTHER M.M. | MADRID

Internet tiene cada día más presencia en la sociedad como lanzadera de artistas. Es un perfecto escaparate en donde toda la información puede ser consultada de manera inmediata, y, sabiendo interpretar su potencial, una plataforma desde la que  darse a conocer. Es este el caso de Cristina Otero, una joven gaditana que gracias a las redes sociales ha conseguido hacerse un hueco en el mundo de la fotografía. Sin formación académica, y a su temprana edad, han logrado acaparar una gran expectación a base de “colgar” sus trabajos casi a modo de hobby. La red ha sido su canal de divulgación y, haciéndose notar, ha sido la elegida por una nueva galería de arte valencianaque ha abierto recientemente sus puertas al público.

La Kir Royal Gallery se presenta en el panorama de las galerías de exposición no sólo como un lugar de contemplación, sino que, y como muestra con su primera exposición “el otro el mismo: otra para sí misma” de Otero, pretende ser transgresora y mostrarse como un lugar de encuentro, crítica, debate, y venta,para todos los aficionados y profesionales de la fotografía. No es casualidad por tanto que la primera muestra refleje el trabajo de una adolescente conocida a través de internet, a través del eco en la red social.

También es notable su organización expositiva. La Kir Royal, ubicada en la calle de la Reina Doña Germana de Valencia,  a través de una estructura anual, desarrollará el concepto elegido para ese período de tiempo  a través de exposiciones tanto de artistas de reconocido prestigio, nacionales e internacionales, como de jóvenes emergentes. El primero ha sido el autorretrato, muy trabajado y logrado por su primera joven ponente.

 Cristina Otero, a través de un especial sentido de la composición y comprensión de la fotografía,  llena la sala con imágenes de ella misma en las que el maquillaje, las posturas, enfoques, y el retoque digital son los protagonistas. Una inspección sobre la estética del autorretrato en donde el color y la expresión comienzan a mostrar la identidad radical que quiere lograr esta nueva sala expositiva. La libertad de un hobby, unidos a la técnica de postproducción de photoshop, logran al menos poner el debate sobre la mesa.

Y es que dentro de este debate cabe hablar de cómo internet despierta este tipo de actitudes en jóvenes que inician sus pasos en el mundo de la fotografía. Son cientos los blogs que publican trabajos fotográficos de gente anónima que, por pura diversión, deciden subir sus aficiones en la red. Facebook, la cultura 2.0, son el escaparate real del siglo XXI del que beben  iniciativas como la que Kir Royal Gallery, a través de Cristina Otero, ha conseguido ponersea modo de galería al pie de la calle.

Galería de imágenes de Cristina Otero