España Oculta en Alcalá de Henares

La exposición España oculta, de la fotógrafa más internacional de nuestro país, Cristina García Rodero, podrá verse en las paredes del Antiguo Hospital de Santa María la Rica en Alcalá de Henares desde el 6 de octubre al 11 de diciembre. 

ESTHER M.M.| MADRID

Hace casi treinta años, la fotógrafa Cristina García Rodero se embarcó en un viaje a la España de los pueblos con el objetivo de capturar aspectos muy definidos de la vida española, centrándose más en la vida de las personas que en sus paisajes, sirviéndole estos sólo de fondo o trasfondo. Para ella lo importante son los seres humanos, sus creencias, sus fiestas y todas las actividades en un marco popular y tradicional, y así queda recogido en esta exposición (vídeo desde 1.40-3.13 min).

Hasta el 11 de diciembre, más de medio centenar de imágenes de la España oculta, todo un clásico de la fotografía de nuestro país, se pueden contemplar en la sala de exposiciones del Antiguo Hospital de Santa María la Rica de Alcalá de Henares. La muestra está organizada por la Obra Social "la Caixa", debido a que estas imágenes pertenecen a la Colección de Arte Contemporáneo de esta institución.

Visitar esta exposición, o cualquiera de la fotógrafa manchega, es realizar inmediatamente un viaje a la geografía de los sentimientos. Gestos y miradas anónimas nos contagian de una alegría intensa, como la que nos transmite “La Tabúa”, o el dolor más hondo de “El llanto de la ofrecida”. La atenta mirada de Cristina registra emociones e historias desconocidas que se aferran a nuestra memoria como si nosotros hubiéramos presenciado ese instante. Un momento mágico que el espectador puede sentir ante estas instantáneas. Esta conexión solo puede conseguirse con la proximidad y el respeto que la artista siente a la hora de fotografiar; su rapidez, su sensibilidad, el amor y el compromiso por la fotografía, hace que su trabajo sea reconocido y valorado internacionalmente. 

Entre 1975 y 1988, la fotógrafa manchega, viajera por naturaleza y por obligación,  recorrió pueblos, a veces lejanos y no fácilmente accesibles, cuyo resultado es una inmensa colección de fotografías de las que España Oculta contiene sólo una parte. Hay que tener presente que en esta época existía una gran diferencia entre la modernidad de las ciudades y los entornos rurales, que permanecía marginados al proceso. Las costumbres tradicionales empezaban a desaparecer y, con ello, su autenticidad. 

La búsqueda de esta autenticidad es lo que le lleva a García Rodero a importarle sólo una clase social: la popular y tradicional. No le interesan los tópicos visuales y huye de ellos. Ella centró su labor fotográfica en un enorme trabajo de investigación sobre rituales, costumbres y usos;  la necesidad de comprender al ser humano. De esta manera, sus imágenes tienen un alto valor antropológico y una gran profundidad compositiva capaces de llegar a donde no consiguen llegar las palabras.

La influyente fotoperiodista estadounidense,  Dorothea Lange, conocida por su obra más representativa  "Madre Migrante, 1936"  decía que “la máquina fotográfica es un instrumento que enseña a las personas a ver sin cámara” y eso Cristina lo sabe. Conoce a la perfección el lenguaje universal que tienen las  miradas y nos obliga a reflexionar más allá de esa aparente mirada casual de sus imágenes.  En la “España Oculta” con frecuencia los personajes se dirigen a nosotros, miran a la cámara y no hay que olvidar, que detrás de ella está la complicidad de la artista.

Julio Caro Baroja, autor de la introducción del libro que lleva el mismo nombre de la exposición, recoge todo ello de la siguiente forma: “aquí estamos ante una serie de imágenes que reflejan la fe religiosa, las diversiones y la vida cotidiana de infinidad de personas con sus usos y costumbres, su economía y cultura no dominadas por formas que se van imponiendo de modo evidente y que muchos consideran sinónimas de progreso y que otros podemos pensar que son más modernas y distintas, pero sin añadir en esto nota optimista o beatifica alguna”. 

Actualmente, Cristina acaba de cumplir 62 años y  sigue enseñando a mirar con sus fotografías. Considerada una de las mejores fotógrafas actuales, su obra confirma su reputación y los numerosos premios que ha cosechado. En 2009 fue aceptada como miembro en la prestigiosa agencia de reporteros Magnum Photos, un hecho de gran relevancia por tres razones principales: es la primera representante de la fotografía española en esta agencia de carácter internacional, fue la primera mujer, y su obra resulta atípica por su naturaleza histórica frente a la actualidad que caracteriza las obras gráficas de estos reporteros.

Ejemplo y fuente de inspiración para muchos, Cristina García Rodero sigue dando todo por su profesión, haciendo de ésta su vida. Su trayectoria profesional muestra, mejor que las de ningún otro fotógrafo, la esencia de nuestra cultura, el comportamiento humano y aquellos aspectos que pasan muchas veces desapercibidos ante nuestros ojos.  

Aquí un vídeo donde reconocidos fotógrafos de nuestra país habla de la entrada de Cristina García Rodero  a la agencia MAGNUN. Duración de vídeo 4.00min.

Fotografías que indignan

Las portadas de los periódicos españoles, La Razón y ABC, son el centro de las críticas en las redes sociales por el tratamiento dado a la manifestación mundial del 15-O.

ESTHER M.M.|MADRID

Millones de personas, unidos por un cambio global,  tomaron calles y plazas para reclamar sus derechos y pedir una auténtica democracia. El movimiento se vivió en más de 700 ciudades de todo el mundo, una protesta mundial y un hito histórico. Los indignados europeos participaron masivamente destacando países como Alemania, Italia y sobre todo, España, precursora del movimiento 15-M.  

La mayoría de las manifestaciones se realizaron en un ambiente pacífico y festivo, solo en la ciudad romana ocurrieron incidentes violentos, que terminaron con decenas de heridos y daños materiales.  Estas fotografías consiguieron acaparar las portadas italianas y de algunos medios impresos españoles, generando polémica en la red por “falsa objetividad”.

El periódico ABC abre con el titular “Los indignados “festejan” su protesta planetaria”. Elige una fotografía de los altercados sucedidos en  Roma, en la que aparece un encapuchado y un coche ardiendo entre grandes llamas. La Razón brinda su portada a las víctimas de la banda terrorista ETA y solo en una pequeña parte del faldón se refiere al 15-O como “Caos global en las calles”. Esta labor periodística desvirtúa el planteamiento del movimiento ciudadano y así lo han expresado los usuarios de las redes sociales, como Twitter.

Los medios de comunicación, para atraer la atención del lector sobre determinadas ideas que están interesados en transmitir, utilizan un amplio abanico de códigos y símbolos de manera intencionada, aquí la imagen tiene un gran peso. Desde su nacimiento, la fotografía en la prensa ha tenido el poder de reproducir fielmente la realidad,  estas imágenes podían ser descifradas por  todo tipo de público sin la necesidad de saber leer, de ahí su respeto e importancia.

Como afirma la fotógrafa y socióloga  Giséle Freund,  refiriéndose a la importancia de la fotografía, “no sólo reside en el hecho de que es una creación sino sobre todo en el hecho de que es uno de los medios más eficaces de moldear nuestras ideas y de influir en nuestro comportamiento”. Así los periódicos de la prensa española han transmitido su particular 15-O con portadas tan dispares. Juzguen ustedes mismos  la realidad vivida en la manifestación mundial y aquí en la Puerta del Sol (vídeo: 1.13)

Las modas en la fotografía de moda

La estética en la fotografía de moda ha pasado de la elegancia a lo absurdo. Así lo demuestra Yolanda Domínguez, que vuelve a sorprendernos con “Poses” donde varias mujeres  posan como modelos por las calles de Madrid.

Esther M.M. / Madrid

La fotografía apareció en 1830 como instrumento para reflejar la realidad del mundo que nos rodea, centrándose en diversos temas a lo largo de la historia como la naturaleza o la arquitectura. Lo que nunca se imaginó es la vital importancia que tendría en el mundo de la moda.

         Durante la Segunda Guerra Mundial se hacía una fotografía de moda práctica y fácil donde los mismos recursos eran utilizados una y otra vez. Ésta cambió al finalizar la guerra, y decidió, casi por necesidad social, cambiar el look triste que hasta ese momento dominaba por un enfoque mucho más consumista. La fotografía dejó de ser meramente informativa para pasar a ser un objeto de seducción.  
         El fotógrafo por excelencia de los años 50, y un gran retratista, fue Richard Avedon. Sus peculiares juegos de contrastes en las imágenes revolucionan la fotografía de moda  y la eleva a la categoría  de arte. Destaca una de sus obras más consagradas  por su elegancia, composición, contraste y sencillez, “Dovima with elephants”, de 1955 con un diseño de Dior.  Avedon rompe con los escenarios de estudio apostando por fotografías dinámicas en exteriores.  Las modelos, por primera vez, eran personas libres y posaban con gestos naturales tal y como se comportaban en su vida normal. Especial atención merece la naturalidad de Elise Daniels and Monique (1948),  y composiciones con modelos paseando por la calle como en Homage to Munkacsi (1957) o en Renée “The New Look of Dior” (1947).

Actualmente la fotografía de moda es una industria que ha ido ganando espacio e importancia en nuestra sociedad, asociándose a la belleza y al glamour. Un mundo lleno de arte y creatividad pero ¿ y si trasladamos esas poses al mundo real?

Esta es una de las inquietudes que definen el trabajo de la artista madrileña Yolanda Domínguez, que ha decidido mostrar lo ridículo que puede resultar seguir las poses que nos impone los editores de las revistas de moda.  Así se llama su último proyecto “Poses” (vídeo duración 4.14 min),  una performance o living (con el término que ella lo define)  en  el que participa un grupo de mujeres que traslada poses extraídas de modelos en revistas en lugares cotidianos de Madrid, provocando una curiosa reacción en los espectadores.

En este proyecto de posturas imposibles lo que nos quiere enseñar la autora, que según sus palabras es, “una crítica directa a lo absurdo y artificial del mundo del glamour y de la moda que nos venden las revistas, en concreto a la imagen distorsionada que difunden de la mujer a través de modelos que no representan a las mujeres reales y que obvian a todas aquellas que no están dentro de sus restringidos parámetros”.

Las imágenes que estamos acostumbrados a ver en los medios de comunicación como referencia femenina no representan a la mujer real, pero sí poseen una gran influencia en los comportamientos de la sociedad. Ahora se ven mujeres extremadamente delgadas y superficiales que adoptan esas posturas de moda (véase foto).

Hay quien piensa que las poses realizadas en la fotografía de moda son solo una manera de hacer más atractiva la publicidad, pero este lenguaje creativo se distorsiona. La moda y su fotografía están cambiando conductas y de las cuales las mujeres no salimos muy bien paradas. Consumimos diariamente imágenes de mujeres desnudas, lánguidas con poses desparramadas y  bocas abiertas, una imagen de mujer débil que en ocasiones ridícula contrasta con la imagen de un hombre exitoso. (Ejemplos de fotografías de moda)

No es la primera vez que Yolanda Domínguez, con su arte callejero, nos haya hecho reflexionar a todos sobre la situación actual de la mujer, tema central en todas sus obras. Ya anteriormente, aprovechando las rebajas de invierno, nos mostró la rivalidad femenina en “Rebajadas”.

Fotografías llenas de vacío

José Manuel Ballester nos muestra en su exposición la ausencia del ser humano a través de la arquitectura

Esther M.M. / Madrid

El artista madrileño José Manuel Ballester presenta en la Librería de La Fábrica el catálogo de la exposición que acoge la sala Alcalá 31 “La abstracción en la realidad”. Este libro editado por la Comunidad de Madrid y La Fábrica Editorial reunirá además textos del arquitecto Antonio de la cruz y críticas de la fotógrafa Simonetta Persichetti. La entrada al evento será libre hasta completar aforo.

            Hasta el 20 de noviembre pone al visitante en contacto con las creaciones a lo largo de 5 años. Una pieza audiovisual titulada “AH! Mio Cor”  y medio centenar de fotografías en diversos formatos cubren las dos plantas de las que cuenta la exposición. El espacio donde se acoge recrea una atmósfera concreta muy en relación con la temática de la exposición.  Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010 y Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid en 2008, acerca al espectador una visión muy íntima que posee el artista sobre la arquitectura y el ser humano.

Lo importante para el autor es la huella que el ser humano deja sobre los espacios, incitando a través de sus fotografías a reflexionar sobre la ausencia. Esto lo consigue trabajando el tamaño y la escala para relacionar al espectador con la temática. El tamaño es muy importante para el autor y siempre lo tiene presente. Esto se puede apreciar  en los diversos formatos de las fotografías. Así encontramos ejemplos de tres metros de ancho como el título “Pabellón de España”,  y documentos más íntimos a través de fotografías de menor dimensión como “Sala nueva Prado”.

Los hilos conductores de esta muestra son el espacio, la luz y el tiempo. Además nos transmite que toda esta temática es universal,  apareciendo escenas que tienen como fondo a Brasil, China o la ciudad de Madrid. Nos hace pensar en lo que somos, algo que se entiende en cualquier lugar del mundo. El propio Ballester nos confirma en este vídeo. (2:18) que “el individuo está presente a través de las huellas que deja en su propio paso”.

Para entender mejor su trayectoria hay que tener presente que desde hace tres años, el artista José Manuel Ballester, ya  nos mostraba su inquietud por el vacio.  Aquí vídeo 17 de septiembre 2008. Presentándonos  obras pictóricas maestras despojadas de toda figura humana, una  interesante propuesta que sigue desarrollando actualmente en su estudio Vídeo 26 de julio 2011.